Sejarah & Karakteristik Aliran Seni Lukis Pointilisme

10.11 Edit This 0 Comments »
Salah satu karya Pointilisme diambil dari http://tavla71.blogspot.com/2011/06/vincent-van-gogh-sunday-afternoon-on.html
Pointilisme Figur Wanita karya Riswanto, diambil dari http://rizqi37.blogspot.com/2011_05_01_archive.html

Salah satu karya Pointilisme, diambil dari http://suduttumpul.wordpress.com/2011/12/04/aliran-dalam-seni-lukis-2/


Sejarah & Karakteristik Aliran Seni Lukis Pointilisme

Apa itu Pointilisme?
Dalam seni lukis, pointilisme (pointillism) adalah aliran yang menggunakan titik-titik kecil atau sapuan kuas untuk menciptakan sebuah gambar.
Titik-titik cat yang diterapkan pada kanvas dibuat sedemikian rupa sehingga warna berbaur secara visual untuk menciptakan kesan halus.
Salah satu lukisan pointilisme terkenal dibuat oleh Georges Seurat yang diberi judul “A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte – 1884.”
Lukisan ini menggambarkan taman yang dipenuhi oleh orang-orang yang sedang bersantai di bawah naungan pepohonan.
Gaya unik lukisan Seurat memberikan kesan hidup dan cerah.
Pointilisme,adalah gaya melukis dengan menggunakan sentuhan titik hingga membentuk sebuah objek gambar dan jika dilihat dari jarak tertentu bias memperlihtakan lukisan yang bersifat realistik,ekspresik, dan artistik.
Sejarah Pointilisme dan Divisionisme
Pada tahun 1880-an, Seurat adalah salah satu pelopor pointilisme.
Paul Signac adalah seorang pelopor lainnya. Seniman terkemuka lain yang menggunakan teknik serupa termasuk Vincent van Gogh, Henri-Edmond Cross, John Roy, dan Henri Delavallee.
Pointilisme pertama kali disebut ‘divisionisme’. ‘Pointilisme’ merupakan nama yang diberikan kemudian yang dimaksudkan untuk mengejek gaya tersebut.
Saat ini, pointilisme merupakan aliran yang diterima luas dan tidak lagi memiliki konotasi negatif.
Sebagian orang masih menggunakan istilah ‘divisionisme’ untuk merujuk lukisan yang mirip dengan pointilisme.
Namun label ini lebih akurat digunakan untuk menekankan teori warna teknis yang digunakan.
Sementara pointilisme menggunakan titik-titik kecil untuk menciptakan bentuk dan struktur, divisionisme menciptakan kesan warna yang unik dengan menyandingkan titik-titik warna yang berbeda sesuai dengan prinsip-prinsip warna.
Artikel ini diambil dari http://bumbata.co/22368/sejarah-karakteristik-aliran-seni-lukis-pointilisme/

SEJARAH SENI LUKIS KONTEMPORER

09.35 Edit This 0 Comments »


 
Salah satu karya kontemporer, diambil dari  http://nafizprojek.blogspot.com/2011/08/aliran-seni-lukis.html

 
Salah satu karya Pablo Picasso, diambil dari  http://osaysqual.blogspot.com/2011/03/lukisan-naturalisme-ekspresionisme.html

 
Karya lukisan "Wanita Dayak" karya Affandi tahun 1977, diambil dari leonardusdewa.blogspot.com

Sejarah Seni Lukis Kontemporer
Sebelum mengenal lebih jauh mengenai Sejarah Seni Lukis Kontemporer, maka harus terlebih dahulu menelusuri mulai dari perubahan dari Seni Lukis itu sendiri, dimana Seni Lukis Kontemporer merupakan Suatu pelepasan dari Seni Lukis itu sendiri. Seni lukis mulai memperlihatkan “sikap anehnya” setelah fotografi ditemukan pada abad 19. Beberapa ahli sejarah seni berpendapat bahwa penemuan fotografi telah mengakhiri otoritas seni lukis dalam hal “meniru alam”. Konsep art imitating nature dengan sendirinya mendekati kuburan. Tidak ada seniman gila yang mau bersaing dengan fotografi dalam hal: kecepatan, ketepatan, keakuratan, dan kemiripan. Masa itu disebut sebagai masa krisis representasi realitas atau awal penyebab kelahiran seni lukis modern.
Sejak itu seni lukis mengambil langkah baru untuk memapankan kembali otoritasnya, yaitu menggambar realitas dengan cara yang tidak bisa dilakukan fotografi. Paul Cezanne (ini biangnya seni lukis modern) termasuk yang pertama menerapkan langkah itu dengan melukis efek pencerapan dari realitas. Dia menggambarkan pandangan subyektif dari realitas dengan memasuk unsur ketidakpastian di dalamnya. Artinya, persepsi kita terhadap suatu objek, baik keragaman sudut pandang maupun keraguan apa yang kita lihat diakumulasikan ke dalam kanvas sebagai konsep menggambar.
Seni lukis modern mengalami krisis pada awal tahun 1970. Penyebab terjadi krisis ini, antara lain,  adalah penciptaan karya seni lukis menjadi terlalu mudah. Setiap gaya dari sebuah karya yang baru diciptakan seolah-olah telah ada sebelumnya. Karena penciptaan karya yang terlalu mudah dan jenis karya seni lukis pun tidak terbatas jumlahnya, maka timbul kekaburan batas-batas estetika. Sampai akhirnya ada seruan bahwa segala sesuatu telah sampai pada akhir. Kalaupun praktek seni lukis masih berlanjut maka semata-mata hanya menampilkan kekosongan makna. Di tengah kekacauan ini seni lukis kontemporer muncul.
Kemunculan seni lukis kontemporer  ditandai dengan tidak ada lagi aturan atau kategori yang dipakai untuk menghakimi sebuah karya yang tidak lazim. Aturan-aturan atau kategori-kategori adalah apa yang dicari oleh karya seni itu sendiri. Seniman berkarya tanpa aturan untuk menemukan aturan dari apa yang telah dilakukannya.
Seni lukis kontemporer tidak peduli dengan estetika atau bahkan membuang sama sekali proses estetika. Sering kali karya-karya seni lukis ini hanya membuat shock penonton daripada kesenangan estetik. Seni lukis ini terkadang tidak bisa lepas dari ideologi politik dan diperalat untuk memperjuangkan kepentingan ideologi yang bersifat advokatif. Akibatnya, banyak karya-karya lukis kontemporer yang hadir dengan penampilan radikal untuk menarik perhatian. Para seniman seni lukis kontemporer  yakin bahwa seni bisa digunakan sebagai salah satu alat untuk perubahan sosial.
Begitulah seni lukis berubah wajah dari waktu ke waktu hingga berwajah seperti sekarang ini. Meskipun demikian ada saja yang mengapresiasi hingga karya tersebut dapat bertahan hidup. Di sisi lain ada kekuatan yang bermodal besar yang melegitimasinya menjadi sebuah selera. Tentu saja selera pasar. Mereka adalah para pedagang seni dan kolektor-kolektornya. Dengan kreativitas “olah” mereka merubah karya seni menjadi komoditi yang layak dijual. Yang mengejutkan seniman yang “anti pasar” sekalipun tidak mampu menolak karyanya dilegitimasi sebagai komoditi.
Artikel ini diambil dari http://bct222renita.wordpress.com/sejarah-seni-lukis-kontemporer/

IMPRESSIONISME

12.56 Edit This 0 Comments »

Contoh Impressionisme karya Alfred Sisley (1839–1899), yang bertitel Bridge at Villeneuve-la-Garenne.

 Impressionisme yang berjudul The Two Sisters, On the Terrace hasil karya Pierre-Auguste Renoir (1841–1919)

 Impressionisme yang berjudul Impression, soleil levant, buah katya dari Claude Monet (1840–1926)

Impressionisme karya Pierre-Auguste Renoir (1841–1919), dengan titel Bal du moulin de la Galette


PENGERTIAN IMPRESSIONISME

Impresionisme adalah gerakan seni yang berkembang di abad ke-19 berasal dari sekelompok seniman yang berbasis di Paris. Pameran independen mereka membawa perkembangan yang  menonjol selama tahun 1870-an dan 1880-an, meskipun mendekatkan protes keras dari masyarakat seni konvensional di Perancis. Nama gaya/aliran ini berasal dari judul sebuah karya Claude Monet Impression,, soleil levant (Impression, Sunrise), yang memprovokasi kritikus Louis Leroy untuk sebuah nama  istilah dalam penerbitan  di surat kabar Le Paris Charivari.

Karakteristik lukisan impresionis termasuk relatif kecil, tipis, namun sapuan kuas yang terlihat, komposisi terbuka, penekanan pada penggambaran yang akurat dari cahaya dalam kualitas perubahan nya (sering menonjolkan efek dari berlalunya waktu), umum, subyek biasa, masuknya gerakan ini merupakan hal penting di dalam unsur persepsi manusia dan pengalaman, dan sudut visual yang tidak biasa. Perkembangan impresionisme dalam seni visual segera diikuti oleh gaya analog di media lain yang dikenal sebagai musik impresionis dan sastra impresionis.
SEJARAH PERKEMBANGAN IMPRESSIONIS
Impresionis pada awalnya pada awalnya melanggar aturan lukisan akademik. Mereka menciptakan gambar  dari perpaduan warna bebas  yang lebih diutamakan daripada garis dan kontur, meniru contoh dari pelukis Eugène Delacroix dan JMW Turner. Mereka juga melukis adegan realistis kehidupan modern, dan sering dicat di luar ruangan. Sebelumnya, secara langsung dibuat sebuah potret serta lanskap yang biasanya dicat di studio, merujuk kebiasaan pada saat itu. Impresionis menemukan bahwa mereka bisa menangkap efek sesaat dan sementara dari sinar matahari dengan lukisan en plein air.. Mereka menggambarkan keseluruhan efek visual bukan rincian, dan menggunakan sapuan pendek kuas "rusak"   secara lancar tanpa pencampuran warna dan murni atau berbayang, seperti kebiasaan-untuk mencapai efek getaran warna intens.

Impresionisme muncul di Prancis pada saat yang sama ketika sejumlah pelukis lain, termasuk seniman Italia yang dikenal sebagai Macchiaioli, dan Homer Winslow di Amerika Serikat, juga mengeksplorasi plein-air lukisan. Impresionis, bagaimanapun, mengembangkan teknik baru khusus untuk gaya. Menurut para pengikutnya yang berpendapat bahwa cara yang berbeda untuk melihat, itu adalah seni yang mempunyai kedekatan dan gerakan, komposisi objek benda dan, dari permainan cahaya dinyatakan dalam penggunaan warna yang cerah dan beragam warna.

Pada awalnya masyarakat berbeda pendapat, kemudian dalam perkembangannya secara bertahap datang untuk dapat dipercaya bahwa Impresionis telah menangkap visi segar dan asli, bahkan jika kritikus seni dan pembentukan seni setuju dengan gaya baru.

Dengan menciptakan sensasi di mata yang memandang subjek, bukan menggambarkan rincian subjek, dan dengan menciptakan hiruk-pikuk teknik dan bentuk, Impresionisme adalah berbagai prekursor gaya lukisan, termasuk Neo-Impresionisme, Post-Impresionisme, Fauvisme , dan Kubisme.


Di pertengahan abad ke-19-masa perubahan, sebagai Kaisar Napoleon III dibangun kembali Paris dan mengobarkan perang-Académie des Beaux-Arts didominasi seni Perancis. Académie adalah pelestari tradisional standar lukisan Perancis konten dan gaya. Mata pelajaran sejarah, tema religius, dan potret yang dihargai (lanskap dan masih hidup tidak), dan Académie lebih suka hati-hati selesai gambar yang tampak realistis ketika diteliti dengan seksama. Warna adalah muram dan konservatif, dan jejak sapuan kuas ditekan, menyembunyikan kepribadian artis, emosi, dan teknik bekerja.

Académie memiliki pertunjukan, seni tahunan juried, Salon de Paris, dan seniman yang karyanya dipajang di acara memenangkan hadiah, mengumpulkan komisi, dan prestise mereka yang meningkat. Standar juri mewakili nilai-nilai dari Académie, diwakili oleh karya-karya seniman seperti Jean-Léon Gerome dan Alexandre Cabanel.

Beberapa seniman muda dicat dengan cara yang lebih ringan dan lebih terang dari pelukis dari generasi sebelumnya, memperluas lebih lanjut realisme Gustave Courbet dan sekolah Barbizon. Mereka lebih tertarik pada lukisan lanskap dan kehidupan kontemporer daripada menciptakan adegan sejarah atau mitologi. Setiap tahun, juri Salon menolak karya-karya mereka dalam mendukung karya-karya seniman yang setia dengan gaya disetujui. Sekelompok realis muda, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, dan Frédéric Bazille, yang telah belajar di bawah Charles Gleyre, menjadi teman dan sering dicat bersama-sama. Mereka berkumpul di Guerbois Café, di mana diskusi seringkali dipimpin oleh Édouard Manet, siapa seniman muda sangat dikagumi. Mereka segera bergabung dengan Camille Pissarro, Paul Cézanne, dan Armand Guillaumin. [2]
Pada 1863, juri menolak itu Manet The Luncheon di Grass (Le déjeuner sur l'herbe) terutama karena digambarkan seorang wanita telanjang dengan dua pria berpakaian di piknik. Sementara juri Salon rutin diterima telanjang dalam lukisan historis dan alegoris, mereka mengutuk Manet untuk menempatkan telanjang realistis dalam pengaturan kontemporer. [3] Juri yang sangat worded penolakan lukisan Manet terkejut pengagumnya, dan jumlah yang luar biasa besar karya ditolak bahwa tahun terganggu seniman Perancis banyak.

Setelah Kaisar Napoleon III melihat karya ditolak dari 1863, ia memutuskan bahwa masyarakat diperbolehkan untuk menilai pekerjaan sendiri, dan Salon des Tolak (Salon dari Menolak) diselenggarakan. Sementara banyak pemirsa datang hanya untuk tertawa, Salon des Tolak menarik perhatian pada adanya suatu kecenderungan baru dalam seni dan menarik pengunjung lebih dari Salon biasa.
Petisi Artists 'meminta Salon baru des Tolak tahun 1867, dan sekali lagi pada 1872, ditolak. Selama akhir tahun 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley dan menyelenggarakan Société Anonyme KOPERASI des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs ("Asosiasi Koperasi dan Anonim Pelukis, pematung, dan Engravers") untuk memamerkan karya seni mereka secara mandiri. Anggota asosiasi, yang segera termasuk Cézanne, Berthe Morisot, dan Edgar Degas, diharapkan partisipasi mengingkari di Salon tersebut. Panitia mengundang sejumlah seniman progresif lain untuk bergabung dengan mereka dalam pameran perdana mereka, termasuk Boudin Eugène lebih tua, yang contoh pertama kali membujuk Monet mengadopsi plein udara tahun sebelum lukisan. Lain pelukis yang sangat dipengaruhi Monet dan teman-temannya, johan Jongkind, menolak untuk berpartisipasi, seperti yang dilakukan Manet. Secara total, tiga puluh seniman berpartisipasi dalam pameran pertama mereka, yang diselenggarakan pada bulan April 1874 pada studio dari Nadar fotografer.
Tanggapan kritis dicampur. Monet dan Cézanne menerima serangan paling keras. Kritik dan humoris Louis Leroy menulis review tajam di surat kabar Le Charivari di mana, membuat permainan kata dengan judul Impression Claude Monet, Sunrise (Impression, soleil levant), ia memberi nama seniman dimana mereka menjadi dikenal. Mengejek sertifikasi artikelnya Pameran dari Impresionis, Leroy menyatakan bahwa lukisan Monet adalah paling banyak, sketsa, dan hampir tidak bisa disebut sebagai pekerjaan selesai.

Dia menulis, dalam bentuk dialog antara pemirsa,

     Tayangan-Saya yakin akan hal itu. Aku hanya mengatakan pada diriku sendiri bahwa, karena saya terkesan, harus ada beberapa kesan di dalamnya ... dan apa kebebasan, apa kemudahan pengerjaan! Wallpaper dalam keadaan embrio yang lebih dari itu selesai seascape.

Claude Monet, Haystacks, (sunset), 1.890-1.891, Museum of Fine Arts, Boston

Para impresionis Istilah cepat mendapat tempat di hati dengan publik. Itu juga diterima oleh seniman sendiri, meskipun mereka adalah kelompok yang beragam dalam gaya dan temperamen, disatukan terutama oleh semangat kemerdekaan dan pemberontakan. Mereka dipamerkan bersama-meskipun dengan pergeseran keanggotaan delapan kali antara 1874 dan 1886.
Monet, Sisley, Morisot, dan Pissarro dapat dianggap sebagai "murni" impresionis, dalam mengejar mereka konsisten seni spontanitas, sinar matahari warna, dan. Degas menolak banyak dari ini, karena ia percaya pada keutamaan menggambar di atas warna dan meremehkan praktek melukis di luar ruangan. Renoir berpaling dari impresionisme untuk waktu selama tahun 1880-an, dan pernah sepenuhnya kembali komitmennya untuk ide-idenya. Édouard Manet, meskipun perannya sebagai pemimpin ke grup, tidak pernah meninggalkan penggunaan liberal hitam sebagai warna, dan tidak pernah berpartisipasi dalam pameran impresionis. Ia terus mengirimkan karyanya ke Salon, di mana lukisannya Singer Spanyol telah memenangkan medali kelas 2 tahun 1861, dan ia mendesak orang lain untuk melakukan hal yang sama, dengan alasan bahwa "Salon adalah medan pertempuran nyata" di mana reputasi bisa dibuat .


Di antara seniman dari kelompok inti (minus Bazille, yang meninggal di Perancis-Prusia tahun 1870), pembelotan terjadi sebagai Cézanne, diikuti kemudian oleh Renoir, Sisley, dan Monet, abstain dari pameran kelompok sehingga mereka bisa mengirimkan karya mereka ke Salon tersebut. Ketidaksepakatan muncul dari isu-isu seperti keanggotaan Guillaumin dalam kelompok, yang diperjuangkan oleh Pissarro dan Cézanne melawan oposisi dari Monet dan Degas, yang menganggapnya tidak layak. Degas mengundang Mary Cassatt untuk menampilkan karyanya dalam pameran 1879, tetapi ia juga menyebabkan perpecahan dengan memaksakan masuknya Jean-François Raffaelli, Ludovic Lepic, dan realis lainnya yang tidak mewakili praktek impresionis, menyebabkan Monet pada tahun 1880 untuk menuduh impresionis dari "membuka pintu untuk pertama datang daubers". kelompok dibagi atas undangan Paul Signac dan Georges Seurat untuk menunjukkan dengan mereka pada tahun 1886. Pissarro adalah seniman hanya untuk menunjukkan pada semua delapan pameran impresionis.

Para seniman individu mencapai imbalan finansial dari beberapa pameran impresionis, tapi seni mereka secara bertahap memenangkan tingkat penerimaan publik dan dukungan. Agen mereka, Durand-Ruel, memainkan peran utama dalam hal ini sambil terus pekerjaan mereka sebelum pertunjukan umum dan diatur bagi mereka di London dan New York. Meskipun Sisley meninggal dalam kemiskinan pada tahun 1899, Renoir memiliki sukses besar Salon pada tahun 1879. Monet menjadi aman secara finansial pada tahun 1880-an awal dan begitu pula Pissarro oleh awal 1890-an. Pada saat ini metode lukisan impresionis, dalam bentuk encer, telah menjadi biasa dalam seni Salon.

TEKNIK IMPRESSIONISME
Pendek, stroke tebal cat cepat menangkap esensi dari subjek, bukan rinciannya. Cat sering diterapkan impasto.
    Warna diterapkan side-by-side dengan sesedikit mungkin pencampuran, menciptakan permukaan yang dinamis. Pencampuran warna optik terjadi di mata pemirsa.
    Abu-abu dan warna gelap yang diproduksi dengan mencampur warna komplementer. Murni impresionisme menghindari penggunaan cat hitam.
    Cat basah ditempatkan ke dalam cat basah tanpa menunggu aplikasi berturut-turut sampai kering, menghasilkan tepi lembut dan pembauran warna.
    Pelukis sering bekerja di malam hari untuk menghasilkan effets de soir-efek bayangan malam atau senja.
    Lukisan impresionis tidak mengeksploitasi transparansi film cat tipis (glasir), yang seniman sebelumnya dimanipulasi dengan hati-hati untuk menghasilkan efek. Permukaan lukisan impresionis biasanya buram.
    Permainan cahaya alami ditekankan. Perhatian yang dibayarkan kepada pantulan warna dari objek ke objek.
    Dalam lukisan yang dibuat en plein air (luar ruangan), bayangan yang berani dicat dengan warna biru langit seperti yang tercermin ke permukaan, memberikan rasa kesegaran sebelumnya tidak terwakili dalam lukisan. (Bayangan biru di atas salju terinspirasi teknik.)

Pelukis sepanjang sejarah telah kadang-kadang digunakan metode ini, tapi Impresionis adalah yang pertama untuk menggunakan mereka semua bersama-sama, dan dengan konsistensi tersebut. Sebelumnya seniman yang menggunakan teknik ini meliputi Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable, dan JMW Turner.

Pelukis Perancis yang mempersiapkan jalan bagi Impresionisme termasuk colourist Romantic Eugène Delacroix, pemimpin realis Gustave Courbet, dan pelukis dari sekolah Barbizon seperti Théodore Rousseau. Impresionis belajar banyak dari karya Jean-Baptiste Camille Corot-Eugène Boudin dan, yang melukis dari alam dalam gaya yang mirip dengan impresionisme, dan siapa berteman dan menyarankan para seniman muda.

Impresionis mengambil keuntungan dari pengenalan pertengahan abad cat dicampur dalam tabung timbal (menyerupai tabung pasta gigi modern), yang memungkinkan seniman untuk bekerja lebih spontan, baik di luar maupun di dalam ruangan. Sebelumnya, pelukis membuat cat mereka sendiri secara individual, dengan menggiling dan mencampur bubuk pigmen kering dengan minyak biji rami, yang kemudian disimpan di kandung kemih binatang.


KONTEN DAN KOMPOSISI
Sebelum Impresionis, pelukis lainnya, terutama seperti abad ke-17 pelukis Belanda Jan Steen sebagai, telah menekankan pelajaran umum, tetapi metode mereka komposisi yang tradisional. Mereka diatur komposisi mereka sehingga subjek utama memerintahkan perhatian pemirsa. Impresionis santai batas antara subjek dan latar belakang sehingga efek dari lukisan impresionis sering menyerupai snapshot, sebuah bagian dari realitas yang lebih besar diambil sebagai jika kebetulan . Fotografi mendapatkan popularitas, dan sebagai kamera menjadi lebih portabel, foto menjadi lebih terang. Fotografi terinspirasi Impresionis untuk mewakili tindakan sesaat, tidak hanya di lampu sekilas dari lanskap, tetapi pada hari-hari kehidupan orang-orang.
Perkembangan Impresionisme dapat dianggap sebagian sebagai reaksi oleh seniman untuk tantangan yang disajikan oleh fotografi, yang tampaknya untuk mendevaluasi keterampilan seniman dalam mereproduksi realitas. Kedua potret dan lukisan landscape yang dirasa agak kurang dan kurang dalam kebenaran sebagai fotografi "menghasilkan gambar manusia hidup lebih efisien dan andal"
Dalam Meskipun demikian, fotografi sebenarnya terinspirasi seniman untuk mengejar cara lain ekspresi artistik, dan bukannya bersaing dengan fotografi untuk meniru realitas, seniman fokus "pada satu hal yang mereka pasti bisa berbuat lebih baik daripada foto-dengan lebih berkembang menjadi suatu bentuk seni subjektivitas yang sangat dalam konsepsi gambar, subjektivitas yang sangat bahwa fotografi dihilangkan. The impresionis berusaha untuk mengekspresikan persepsi mereka terhadap alam, daripada membuat representasi yang tepat. Hal ini memungkinkan seniman untuk menggambarkan subyektif apa yang mereka lihat dengan "keharusan diam-diam rasa dan hati nurani" Fotografi mendorong pelukis untuk mengeksploitasi aspek media lukisan, seperti warna, yang fotografi maka kekurangan:. "The impresionis adalah yang pertama untuk secara sadar menawarkan alternatif subyektif foto itu ".

Lain pengaruh besar adalah seni cetak Jepang (Japonism), yang awalnya datang ke Perancis sebagai kertas kado atas barang impor. Seni cetakan ini memberikan kontribusi signifikan terhadap sudut "snapshot" dan komposisi konvensional yang menjadi karakteristik dari Impresionisme.

Edgar Degas adalah seorang fotografer avid baik dan kolektor dari cetakan Jepang. The Dance Nya Kelas (La classe de danse) tahun 1874 menunjukkan pengaruh baik dalam komposisi asimetris nya. Para penari yang tampaknya tertangkap basah dalam berbagai pose canggung, meninggalkan hamparan lantai ruang kosong di kuadran kanan bawah. Dia juga ditangkap penari dalam patung, seperti Little Dancer Empat belas tahun.

Artikel ini diambil dari http://en.wikipedia.org/wiki/Impressionism

Postingan Lebih Baru
Postingan Lama